Entrenamiento físico del actor

Brincos, saltos, volteretas, el teatro es movimiento, el teatro es vida. La preparación de un actor requiere entrenamiento físico y mental. El entrenamiento físico debe consistir en calentamiento, ejercicios de fortaleza física, balance y resistencia. En nuestro montaje comenzamos con ejercicios para calentar cada parte del cuerpo, desde la cabeza hasta la punta de los pies. Luego insistimos en que el cuerpo se fortalezca a partir de ejercicios abdominales. Hacemos corridas para abrir las capacidades respiratorias de cada actor y desarrollar la resistencia.

Un buen programa de ejercicios ayuda a que el actor pueda ofrecer un espectáculo de calidad. Dedicamos aproximadamente unos 30 minutos de ejercicios. Instamos a todos los actores a no descuidar este aspecto tan importante, pues el físico es el instrumento para la creación de imágenes en escena. El resultado de un buen entrenamiento físico se puede constatar en el vigor, la vida, la fuerza de los actores en la escena. En la próxima entrega discutiremos sobre la música como puente catalítico de la obra.

El actor y su trasformación

El actor debe estar preparado para cambiar, ser otro, buscar, indagar sobre lo que no es. El actor ha de ser otro en escena, un personaje, un animal y hasta una cosa -el actor no se limita a ser personaje, al contrario, debe prepararse para ser cualquier cosa-. El actor es una fuerza viva que tiene la capacidad de transformarse. Por ejemplo un actor puede convertirse en una silla, un objeto. Lo importante es que el actor tenga conciencia de lo que es en escena, que trasforme su cuerpo, su voz, en eso que busca ser.

En nuestra obra hacemos un puente con muchos cuerpos, es un solo puente, una sola voz, un solo movimiento creado por muchos actores. En ese ejercicio podemos decir que el actor a trasformado su cuerpo, su voz, su movimiento, para crear lo que identificamos como puente, lo que el espectador identifica como un puente. Y esa imagen será igual en cualquier parte del mundo, y cualquiera que tenga en su mente la idea de lo que es un puente, podrá identificar esa imagen y decir sin lugar a dudas: eso es un puente.


El actor logra llegar a ese punto de trasformación cuando trabaja con su cuerpo. El actor debe preparar su cuerpo antes de ir a la escena con ejercicios de calentamiento, ejercicios de fortalecimiento del cuerpo, ejercicios de proyección de voz y ejercicios que lleven a la experimentación teatral, tanto a nivel colectivo como individual. Cada actor debe encontrar su propia voz, su propio cuerpo, siempre en un estado consiente. Esto no se logra de un día a otro, es un proceso que dura toda la vida. El actor es responsable de crecer todos los días, de ser constante.





No es un capricho del director trasformar cuerpos en objetos, o que un actor sea un personaje y luego sea otro en una misma escena, todo es parte del proceso de creación, que incluye a todos. En nuestra obra todos tienen voz, todos pueden opinar, dar sugerencias, es creación colectiva y el director es que ayuda lograr que la historia pueda ser clara para el espectador. En la próxima entrega presentaremos el duro trabajo de preparación de los actores.

Lectura del libro, resumir y plasmar en imágenes

El enfrentarse con un texto desconocido es un reto. Lo primero que haremos es leer el libro e ir marcando en cada capítulo los momentos más importantes de la trama. Eso nos ayudará a redactar un bosquejo de ideas con las que hemos de trabajar. Después de leer el libro y haber marcado las ideas sobresalientes -estas serán nuestro resumen de la obra- haremos un estudio profundo del personaje principal. En el libro del autor Howard Pyle, el personaje, Robin Hood, se caracteriza por ser muy humano, decidido, pero a la vez, lleno de resentimientos. Ese perfil del personaje principal nos puede ayudar a crear contrastes con los otros personajes.

Luego de identificar al personaje principal y su conflicto, podemos analizar el ambiente que le rodea. Estamos en la Inglaterra del rey Enrique II, en el siglo XII -específicamente los años que comprenden entre 1,150 a los 1,180-. El bosque de Sherwood es el lugar donde Robin Hood y sus amigos pasan la mayor parte de su tiempo. Podríamos pensar en colocar una escenografía de un bosque: árboles frondosos hechos de cartón y plástico y yerbas sintéticas para lograr la impresión de un bosque, pero, la magia de jugar con las imágenes es: que podemos crear los arboles, y todo el bosque, con los cuerpos de los actores.

Es en esa experimentación en la escena donde los actores y el director crean a partir de los recuerdos. Todos hemos visto un árbol, podemos reconocer arboles de distintos tamaños y colores. Lograr que esa imagen se convierta algo reconocible para el espectador será nuestra meta. Para que funcione una imagen debemos ponderarla desde el punto de vista del espectador, se debe quitar de la mente cualquier imagen contaminada, es decir, ir a lo simple. Un árbol es un tronco, ramas y hojas, pues, los cuerpos de los actores deben expresar esa imagen en su pureza. Para reforzar esa imagen podemos añadir la narración de la acción, hablar sobre el bosque de Sherwood. Luego hemos de colocar al personaje principal enfrentado a ese espacio y que interaccione con el ambiente.

El teatro es juego y experimentación. En resumen: creamos una obra a partir de un texto, y rescatamos las ideas más importantes. Eso nos proporcionará un bosquejo de lo que será nuestra obra. Sabemos quién es nuestro personaje principal y en qué lugar se encuentra. Creamos imágenes del ambiente, colocamos al personaje principal dentro del ambiente y reforzamos las imágenes con texto del prólogo. En la próxima entrega discutiremos sobre: los actores y su trasformación en escena.

Con que trabajar para hacer una obra de Teatro

Para lograr un espectáculo teatral necesitamos de un actor y un espectador. Lo básico para lograr una buena comunicación es tener un emisor, un receptor y un mensaje. En una obra de teatro tenemos actores que llevarán un mensaje y los que lo interpretarán ese mensaje serán los espectadores.



Debemos comprender que debido a los procesos culturales y de socialización, en que cada ser humano se desarrolla, influye tanto en la comunicación del mensaje, como en su recepción, por eso el Director de la obra tiene la gran tarea de unificar el lenguaje entre actores y espectadores. En este Blog estudiaremos como el lenguaje unitario de una obra teatral se efectúa por medio de las imágenes. Una imagen teatral es poder tomar un texto, un pensamiento o una idea y mostrarla mediante acciones visuales que dirigen al espectador a asociarlo con su realidad, su vida. Por ejemplo: si queremos mostrar una idea de guerra, instruimos a los actores a experimentar como disparar y ser heridos por una bala. Esta imagen la podemos repetir constantemente. El espectador identificará esa acción con un conflicto. Para darles claves de que es una guerra actual podemos incluir un elemento que refiera al tiempo y al espacio de desarrollo del conflicto, como, por ejemplo, una bandera. Los actores en conflicto, dos banderas en el escenario, muerte y vida, esas son imágenes de guerra muy poderosas y atractivas.




En un mundo en que la televisión, el cine, el internet nos han acostumbrado a las imágenes, es imperativo que el teatro también sea uno lleno de vida, de imágenes constantes, de imágenes impactantes. Para construir una obra de teatro debemos partir de una idea, nosotros hemos escogido un texto. El libro escogido para esta experimentación teatral es: Las Alegres Aventuras de Robin Hood, escrito por Howard Pyle. Gracias a los actores y el equipo de producción de El Cuerpo de Artes Teatrales de la Universidad de Puerto Rico en Cayey podremos compartir con Ustedes, los lectores de este Blog, cada paso durante el proceso de creación una obra de teatro.

Este enlace muestra la ultima obra realizada por el Cuerpo De Artes Teatrales: Romeo y Julieta.

http://www.youtube.com/user/Osqui31?feature=mhum#p/a/u/1/okTKcgaAvuA